LA COQUILLE ET LE CLERGYMAN de Germaine Dulac, coécrit avec Antonin Artaud
(1927 / n&b / sil / 40’)

Germaine Dulac se sert de mouvements de caméra spectaculaires et d’angles insolites pour exprimer, en accord avec les théories freudiennes, les frustrations et les fantaisies sexuelles d’un jeune prêtre. Désir, interdit, ordre, sadisme, regard social, religion et sacré, avilissement, dérive… Toutes les scènes du scénario sont emblématiques de ces différents thèmes, chaque tableau étant un tableau mental provoqué par l’ordre du désir et de l’effroi. Artaud ne cesse de le proclamer : La coquille et le clergyman « n’est pas la reproduction d’un rêve et il ne doit pas être considéré comme tel ». Ramener le projet à cela, c’est affadir le projet central d’Artaud : plonger dans les profondeurs du psychisme et de la pensée pour les livrer à l’écran.

LITTLE GIRL de Bruce Baillie
(1994-1995 / coul-n&b / sil / 3’)

« Film en trois plans, ce genre magnifique qui permet de penser jusqu’au bout les puissances du montage. Ici une petite fille un peu disgracieuse salue interminablement les voitures qui passent. Soit un plan noir et blanc, quelques instants prélevés dans la matière même du monde, quelques instants à la fois doux, insignifiants et tristes. Soit un deuxième plan, noir et blanc toujours, que simplement en répète le motif et de ce fait atteste la profonde folie du premier. Que peut la couleur ? Elle est une apparition mythologique, elle revient comme une hantise, la hantise de tout ce qui a disparu… » Nicole Brenez.

SHORT OF BREATH de Jay Rosenblatt
(1990 / coul / son / 10’)

C’est un film collage hanté et affectif sur la naissance, la mort, le sexe et le suicide. Comme un coup de poing à l’estomac. « Short of Breath est comme un test de Rorschach, avec des images animées au lieu des taches d’encre. » Vincent Canby.

FOR ARTAUD de Al Razutis
(1982, coul opt, 10’)

L’avant-­dernier essai du cinéaste expérimental de Vancouver sur « I’ expressionnisme et le gothique dans l’horreur » qui évoque l’humanité sous l’emprise de démons aux proportions monstrueuses. Pour parvenir à l’ “incarnation” en image de ce qui pour Artaud resta toujours une utopie et une source extrême de souffrance, Razutis recouvre d’abord l’image d’une « neige parasite [...] tandis que des voix déformées semblent s’élever de la plus grande confusion ». Razutis réalise le cinéma seulement imaginé par Artaud, ce « cinéma brut [qui], dans l’abstrait, dégage un peu de cette atmosphère de transe éminemment favorable à certaines révélations » : un cinéma de la Cruauté.

DANCE NUMBER 22 de Raphael Montañez Ortiz
(1993 / n&b / son / 7’22)

Une vidéo expérimentale basée sur la répétition et une rythmique folle.

FOLIE FOLIES de Jean-­Louis Accettone, Bertrand Garcette, Eric Rattenni
(1988 / coul / son / 9’)

Une vidéo folle furieuse sur la folie, sur les limites du cadre et des murs de l’hôpital psychiatrique, qui s’imposent à ceux qu’on qualifie de fous. Sur un idée de Jean ­Louis Roelandt. Des images qu’on n’oublie pas. Un montage détonant et étonnant.

HUMAN REMAINS de Jay Rosenblatt
(1998 / n&b / son / 30’)

Ce portrait intime de cinq dictateurs illustre la banalité du mal. Le film dévoile les vies personnelles d’Hitler, de Mussolini, Staline, Franco et Mao Tsé-Toung à travers les détails intimes de leur vie quotidienne : plat favori, films préférés, vie sexuelle. Aucune mention de leur vie publique ou de leur place dans l’Histoire. Tout le film est factuel, mêlant des citations directes et des faits tirés de leur biographie. Le recours à des voix off et à des traductions anglaises rappelant un documentaire de la BBC, lui confère encore plus de vraisemblance. L’ironie, parfois même l’humour, sont omniprésents. En questionnant l’horreur d’un point de vue qu’ils sont coupables, précisément parce qu’ils sont humains, comme nous.

THE FALL OF THE HOUSE OF USHER de James Watson & Melville Webber
(1928 / n&b / sil / 12’) d’après le scénario de Edgar Allan Poe

Court métrage d’anthologie du cinéma américain aux influences multiples. En 1921, lors de sa projection à New York, Watson avait vu à plusieurs reprises le film expressionniste allemand, Le Cabinet du docteur Caligari. Non seulement les décors, avec leurs angles impossibles, sont inspirés de ce film mais « le voyageur » au chapeau haut-de-forme, fait directement écho à la figure du docteur Caligari lui-même. On trouve aussi dans ce film des influences européennes, notamment celle des films expérimentaux français des années 20 qui représentaient des états mentaux altérés par le biais de truquages complexes et modifications optiques.

Ce programme est né d’une collaboration entre Miles McKane de Mire et Isabelle Schmitt du lieu unique.

Plus d’informations sur l’évènement sur le site du lieu unique ou au 02 40 12 14 34.

Le Cinéma Katorza s’associe aux Rencontres de Sophie du 5 au 8 Mars avec une programmation de fictions et documentaires autour de la folie.

LUNDI 5 MARS À 18H
La moindre des choses, un documentaire de Nicolas Philibert
et à 20H05
Le moindre geste un documentaire de Fernand Deligny, Jean-Pierre Daniel, Josée Manenti

MARDI 6 MARS À 18H
Le moindre geste un documentaire de Fernand Deligny, Jean-Pierre Daniel, Josée Manenti
et à 20H10
Titicut follies, un documentaire de Frédérick Wiseman (USA, 1967, 84’)

MERCREDI 7 MARS À 19H30
Une femme sous influence, John Cassavetes (USA, 1974, 2h26)

JEUDI 8 MARS À 20H
Après la folie, un documentaire de Mickaël Hamon, suivi d’une rencontre avec le réalisateur.

Cinéma Katorza – 3 rue Corneille – www.katorza.fr -­ 02 51 84 90 60

BENT TIME de Barbara HAMMER 1984 / 16 mm / coul / son / 22′ 00
Bent Time offre une méditation sur le temps. L’histoire, la préhistoire et le présent sont évoqués par le voyage à travers l’objectif d’une caméra placée dans les champs de tumulus de l’Ohio, le Chaco Canyon pueblos, les autoroutes, rues et grattes-ciel de New York et le Centre d’accélérateur linéaire de Stanford. Les techniques du cinéma en font une autre « vision », comme s’il synthétisait une autre sorte de temps. Et cela il le fait en compressant le temps réel.

MOVEMENTS OF AN IMPOSSIBLE TIME de Flatform 2011 / coul / son / 8’ 05
Dans ce travail les causes de changement sont visibles. Le temps de métamorphose est concentré ou accéléré par le statut simultané de ses causes. Comme en musique, différents agents atmosphériques se présentent séparément dans cette vidéo pour produire un choeur météorologique que l’on ne voit pas dans la nature.

A PLACE TO COME de Flatform 2011 / coul / son / 7’ 30
Le paysage n’évolue pas selon de simples courbes de temps mais selon un mode particulier de passage d’un élément du temps : le brouillard.
A place to come explore les références mutuelles de la description ordinaire d’un lieu et de sa manifestation concrète.

UN NUAGE de Guillaume CAILLEAU 2010 / coul / son / 24’ 00
UN NUAGE est une tentative de portrait d’un nuage dans sa simplicité et sa complexité, avec sa sérénité affichée et sa tension interne, ses réapparitions et ses disparitions, toujours le même, toujours nouveau.

« Nous avons beaucoup d’émotions et de changements dans la vie. Le grand changement se fait par de tout petits changements. Cela devient la grande histoire. Je m’amuse à observer ces petits changements en filmant. »

« Mes vidéos traitent de la communication entre les êtres humains. J’essaie de capter un moment vivant et touchant.
Je reste attentive à ce que le hasard peut m’offrir et que je capte spontanément, sans idée prédéfinie ni mise en scène. Ainsi, je veux garder la vitalité des moments emmagasinés dans l’appareil. »

Site Internet

Les workshops sont une extension des initiations au développement. Ils permettent de se familiariser avec des outils et/ou la pratique d’un cinéaste. Ils sont ouverts aux personnes maîtrisant déjà le développement.

Cet atelier est une exploration des bases de la fabrication d’un film 16mm noir et blanc. Il a pour objectif d’acquérir une certaine autonomie avec la caméra 16mm et les traitements et outils qui lui sont liés ( développement, tirage contact, tirage optique, projection…).

Le samedi sera consacré à la prise de vue. Plusieurs thèmes seront abordés :
Choix de pellicule, lecture de l’étiquette;
Caméra – fonctionnement, chargement…
Optiques – choix, réglages;
Mesure de lumière – tenant et aboutissants…
Filmage.

L’atelier étant assez court nous nous contenterons de tourner de 1 ou 2 pellicules de 30m en fonction du nombre de participants.

Le dimanche se déroulera dans le labo pour s’initier à l’ensemble des outils disponibles :
Développement des films négatifs tournés le samedi;
Passage en revue et expérimentations des différentes techniques de copies – tirage à plat, tireuse contact, tireuse optique;
Projection – utilisation du projecteur 16mm (très similaire au S8), chargement, nettoyage;
Création d’une boucle.

Intervenant : JULIEN QUENTEL

Le workshop aura lieu de 9h30 à 18h au Labo de Mire.
Coût de l’atelier + repas du midi: 30 euros.
Sur inscription, 6 personnes maximum
Ouvert à utilisateurs du labo ayant déjà suivi une initiation Super 8″

Pour vous inscrire, contactez Mire :
02 40 89 78 07
info@mire-exp.org

Sur l’Île de Nantes, le Jardin C s’ouvre à toutes les personnes qui souhaitent lui donner forme, le faire vivre et le voir pousser. Pour cela, nous lançons ce 21 février un rendez-vous hebdomadaire. Désormais aura lieu chaque mardi au Jardin C (à La Fabrique), un temps d’échange, de discussion ou d’entretien du jardin suivant la saison et les besoins.

Comme ce Premier des Mardis est aussi un soir de Nouvelle Lune, on profitera de l’obscurité du ciel pour voir le très beau
LI: THE PATTERNS OF NATURE de John Nathan CAMPBELL.

Ce film explore à travers des termes poétiques et non-narratifs la myriade de motifs de la nature générée de manière spontanée dans le monde physique et trouble la distinction entre les phénomènes de vie et de l’inanimé. LI est un terme chinois qui se réfère à une intelligence sous-jacente et à un ordre de la nature reflété dans ses propres formes organiques.

Mardi 21 février à partir de 18h30 :
Lancement des Mardis et présentation du projet
Projection du film LI: THE PATTERNS OF NATURE de John Nathan CAMPBELL
Échange et discussions autour d’un pot

Au programme donc : échanges, rencontres et discussions jardins, jardinage et jardinage expérimental suivis d’une projection jardinière.

Les Mardis du Jardin C
Chaque curieux est invité pour ce premier des Mardis à venir pour discuter ensemble du projet, partager les points de vue et pourquoi pas en devenir acteur. Car c’est  l’ensemble des implications qui feront du Jardin C un lieu atypique tournées vers le « faire ensemble » autant que le « faire soi-même ».
Les Mardis sont un temps d’échange, de discussion ou d’entretien du jardin suivant la saison et les besoins. Ces rendez-vous hebdomadaires des jardiniers adhérents sont également ouverts à tous les curieux qui voudraient en savoir plus avant, peut être, de devenir eux aussi membre du « club ».

“Est-ce que les Hommes sont une partie de l’espace ou existons-nous simplement dans l’espace mais n’avons rien à voir avec lui ? » ou « Qu’est-ce que l’espace sans la présence de l’autre?”

Buddha’s pizza de Chris Gallagher 2011 / coul / son / 10’ 34
Quelle est la place de l’être humain dans le cosmos?

Bouddha commande la pizza absolue, celle qui n’est jamais terminée, mais constamment en devenir. En voyageant seul dans les parties merveilleuses du monde, on cherche toujours quelqu’un, même un parfait inconnu, à qui dire « c’est beau, non ? ». Qu’est-ce que l’espace sans la présence de l’autre.

2∞1 : A Space Cut de Antoni Pinent 2005-2007 / coul / son / 8’ 40
« Le concept de l’infini dans cette œuvre manifeste se traduit par l’union de coupe à coupe, en considérant que l’infinité des éléments et hasards entre les plans est trop vaste. Un plan contient une durée délimitée ainsi q’un espace et un champ d’action définis, tandis que l’intersection est quelque chose qui nous échappe à cause de son importance, quelque chose que nous ne pouvons délimiter. Un autre point, et pas le moindre, est de se rappeler que ce film contient la plus grande ellipse de l’histoire du cinéma, 4 millions d’années: d’un os en chute libre nous arrivons à un vaisseau spatial. Un raccord de plan qui a marqué un tournant dans l’histoire du cinéma et son rapport à l’ellipse. »

SPATIAL LINES de TINHOKO 2001 / coul / son / 4’ 00
« Les prises de vue que TINHOKO a utilisées dans SPATIAL LINES proviennent de pas moins de trois continents (Asie, l’Amerique et Europe). Instance visuelle suprême, des séries de traits blancs perpendiculaires traversent l’écran, chacune dans leur sens. Les séquences vidéo ordonnées sous cette animation graphique planimétrique changent en permanence de couleur et de format, subissent des déformations et des divisions ininterrompues. Ce processus se poursuit jusqu’à la décomposition de chaque plan en microstructures qui constituent alors de nouvelles couches de sédiments. » Norbert Pfaffenbichler

FLOW de LIA 2006 / n&b / son / 5′ 00
« Dans Flow, LIA travaille avec des formes quasi ornementales. Comme toujours les éléments de base sont des figures graphiques extrêmement délicates. A première vue, elles semblent des particules microbiologiques où poussent boutons et calices Art Déco ou Jugendstil qui ensuite seront couverts par un dense filet prenant l’apparence d’un bambou. Apparemment, l’esthétique du film se réfère à l’art minimaliste de l’Extrême-Orient. L’impression de mouvements rapides ne vient pas des éléments eux-mêmes, en réalité inertes, mais de la continuelle multiplication qu’ils connaissent.

«Naissantes et disparaissantes » les images de LIA sont en parfaite harmonie avec la musique de Joaquim. Inspirée par le chant parlé répétitif de Laurie Anderson dans les années quatre-vingt, une voix de femme y domine inscrite dans un environnement électronique minimaliste. Tandis que la musique suit une structure circulaire, visuellement la croissance des éléments devient de plus en plus dense et impénétrable. Et ce qui avait commencé comme le germe de petites graines circulaires disparaît à la fin de la vidéo dans un espace blanc, implosion de cette croissance sans fin. » Gerald Weber

BYE BYE ONE de NotTheSameColor 2006 / coul / sound / 5′ 00
« On ne les voit qu’en fermant les yeux. » Mais fermer les yeux ne remplace pas tout à fait la perception du film, qui essaie cependant de reproduire ce phénomène. L’artiste Billy Roisz raconte « j’ai toujours été fasciné par les figures et les structures qui sont imprimées par la lumière sous la paupière. »

Le dispositif de création est composé de divers instruments audio et vidéo, connectés de manière à permettre de multiples chemins de retour d’information et d’interaction physique. Des signaux audio et vidéo quittent leur domaine pour acquérir une nouvelle fonction et une nouvelle signification. Les sons génèrent des images et on peut entendre le signal vidéo.

SCAPE TIME de TELCOSYSTEMS 2006 / coul / son / 8′ 21
Scape-Time est une rencontre de huit minutes avec les phases successives d’une excitation spatiale déployée dans un monde constitué par un réseau hautement dynamique d’objets visuels et sonores. Les structures qui en émergent sont gouvernées par des lois comportementales qui orchestrent la modulation des perspectives, le mélange des dimensions, leur positionnement, leur éclat et leur ton, tout en contrôlant la modulation du timbre et de l’espace sonores.

Travailler sur Scape-Time a nécessité de se concentrer sur la sélection et l’optimisation des états pertinents d’un processus, et sur la composition du rendu matériel extérieur au temps réel.

L’environnement informatique qui nous a permis de construire ces mondes et de décrire leur comportement dans un espace virtuel, est le résultat d’une recherche continuelle de notre propre langage et de notre propre narration dans l’image et le son abstraits.

SOLAR SIGHT de Larry JORDAN 2011 / coul / son / 15′ 00
« Une des questions que j’avais en tête était: quelle est la place de l’être humain dans le cosmos? Nous réfléchissons de plus en plus à ce qui est « au-delà ». L’art est de moins en moins concerné. Je ne sais pas pourquoi. Le sujet peut paraître un peu pompeux, mais je l’ai approché de manière simple. Je n’avais encore jamais travaillé avec la photographie en couleur comme support de base pour mes films de collage. J’ai été surpris de constater un résultat très puissant (accompagné par la musique très résonante de John Davis). Cela a été libérateur de lâcher des personnages humains dans une apperception de l’espace suggéré, et d’aborder l’énigme essentielle de la sphère tournante. » Larry Jordan

ENDEAVOUR de Johann LURF 2010 / coul / son / 16′ 00
Le film Endeavour de Johann LURF oscille entre documentaire, film d’avant garde et science fiction. Ce mélange très particulier de matériel et de techniques donne au spectateur un sentiment de vol dans les airs car le film s’échappe continuellement de la gravité des genres et des définitions toutes faites. Lurf utilise des séquences de la NASA lors du lancement de la navette spatiale de nuit et de jour suivant la fusée de lancement à son décollage jusqu’à son amerrissage. Chaque lancement est filmé par six caméras, une caméra en bas, une au milieu et une autre en haut des deux fusées de lancement. Lurf filme cette séquence simultanément et la monte ensuite, en passant d’une caméra à une autre toutes les 9 images, avec pour résultat trois coupes par seconde. La bande sonore du jour de lancement est intégralement utilisée, avec le son isolé de chaque roquette sur les niveaux gauche et droite, alors que le lancement de nuit est silencieux, avec une étrange bande son « fantôme » composée des échos du premier lancement. La structure strictement formelle du film- une structure résultant du matériel original – résulte de son effet mystérieux et hallucinatoire, où le documentaire chemine vers un cinéma d’avant-garde. Lurf intervient ici sur le temps, qui n’est plus synchronisé sur la séquence, mais qui apparait dans le rythme du montage, une danse circulaire de six pas puis un pas en avant.

En préambule de leur résidence, Thomas Chatard et Antoine Ledroit présentent leur travail de plantation de pellicules (bandes-annonces 35 mm) et la manière dont ils envisagent d’investir le Jardin C.

Projection de l’installation « In Frames With » ou comment ralentir le flux du mouvement des images pour célébrer la beauté du photogramme altéré.

SANS TITRE (24xH2o)…

…est le projet avec lequel Antoine Ledroit et Thomas Chatard vont investir le Jardin C pour une Résidence locale qui débute cette année.

Les deux artistes se réapproprient de façon sensible et poétique un stock de bandes annonces 35mm, qu’ils enterrent dans différents sites au gré de déplacements ou de manière plus domestique et encadrée, provoquant une altération de l’émulsion du film, et détournant ainsi leur fonction originelle.
A partir de la fin janvier, ils investiront petit à petit l’Ile de Nantes et le Jardin C, permettant aux visiteurs de suivre leur processus de création.

Résidences Locales…

Le Jardin C, nouveau terrain d’expérimentation de Mire, amène l’association à porter un nouveau regard sur un de ses plus fidèles outils, son laboratoire de développement de films.

Ainsi, les problématiques rencontrées au Jardin C, où un sol pollué par un passé industriel est amené à être cultivé, résonnent avec celles de cinéastes maniant la chimie pour travailler la pellicule .

En inaugurant en 2012 le nouveau module Résidences Locales, Mire souhaite offrir à des travaux souterrains menés dans son laboratoire de développement argentique une visibilité dans l’espace du Jardin C, laboratoire à ciel ouvert.

Dès la première Nouvelle Lune de l'année, Antoine Ledroit et Thomas Chatard déballent leurs bandes-annonces 35mm dans le Jardin C

Avertissement #2

« Bande annonce » du projet.

In frames with. Prochainement, c’est écrit.
Thomas Chatard – Antoine Ledroit

Projection et diffusion dans le cadre de l’exposition

Inquiétantes étrangetés

En boucle de 10h à  18h

CELL de Volker SCHREINER
2006 / Beta SP / coul-n&b / son / 4′ 27
Une compilation de moniteurs TV manifestant des parasites.

 Projections à 15h et 17h

CI SONO GLI SPIRITI ( There are spirits) de Alvise RENZINI
2009 / Mini DV ou Beta SP / coul / son / 5′ 53
CI SONO GLI SPIRITI” est une libre interprétation visuelle d’un rêve fait par Carl Gustav Jung.

JOURNAL INTIME de Jean-Gabriel PÉRIOT
2000 / Mini DV / coul / son / 2′ 00
Quelques instants très privés durant lesquels le corps devient coutures et prothèses.

HEAR TO THERE de Chris GALLAGHER
2011 / DV Cam / coul / son / 7′ 19
Nous voyageons seuls en compagnie de la plus célèbre des composition musique au monde, observant une image simultanément mobile et immobile.

MAYBE SIAM de Christoph GIRARDET & Matthias MÜLLER
2009 / Beta SP / coul / son / 12′ 20
Après trente seconds d’un écran noir, les images d’aveugles apparaissent. Le travail de Müller et Giradet évoque un désir pour le don de la vue.

WARM BROTH de Luther PRICE
1987-1988 / Beta SP / coul-n&b / son / 36′ 00
Raconte moi un secret/Serre moi fort/Donne moi un baiser. Il s’agit d’un film sans pitié, imprégné d’un sentiment de décomposition et d’horreur.

« L’inquiétante étrangeté sera cette sorte de l’effrayant qui se rattache aux choses connues depuis longtemps, et de tout temps familières ». S.Freud (1919).

Laisser révéler le quotidien, voir au delà de l’image, voir la part d’ombre qui surgit une chose déjà vécue, déjà perçue. Ce programme de films donne à voir la puissance inquiétante qui peut se dégager d’une image d’apparence banale ou familière. Que ressort-il de ces images? Un double sens qui n’est pas un reflet mais plutôt l’ombre portée de la réalité.

Inquiétantes étrangetés
Cette exposition inaugure un cycle d’expositions conçues à partir des collections du musée pendant la période des travaux d’extension du musée (novembre 2011 – automne 2013). Ce principe de relecture des collections du musée donnera lieu à des invitations de commissaires extérieurs.

A partir des collections du musée et de façon transchronologique (XVIIe-XXIe), l’exposition présente un nouveau regard sur les œuvres de la collection du musée. Choisies par Blandine Chavanne, directrice du musée et commissaire de cette exposition, les oeuvres ici réunies, ont toutes à voir avec le singulier, l’insolite, le trouble, le difficilement reconnaissable, voire l’inacceptable. Le concept freudien est ici davantage un outil méthodologique qu’une thématique.

Grâce à Clinch et Mire, de la neige à Noël!

 TREIZ, collectif d’artistes et laboratoire indépendant, basé à Rennes,
présentera quelques films récents en super 8. Ces films sont le plus
souvent des réalisations collectives.

Spécialisé en cinéma super 8, Treiz réalise et produit de nombreux films en tant que collectif, et aide à la réalisation de nombreux autres films, en tant qu’association.

L’association possède notamment un laboratoire de cinéma permettant de développer soi-même toutes les pellicules photo ou cinéma existantes.

Les soirées Treiz

Chaque 13 du mois, Treiz propose un éventail de la création artistique contemporaine (cinéma expérimental, art vidéo, musique électronique, poésie contemporaine, etc), avec une préférence pour les projets à caractère politique.

« Par politique nous n’entendons pas la forme ressassée d’un certain militantisme (généralement trop bavard, trop moraliste, et trop victimisant) mais quelque chose d’à la fois plus large et plus précis… Nous entendons ici politique dans le sens d’un rapport au monde, ni soumis ni hiérarchique, qui ne sépare pas l’art et la vie, qui porte et assume des positions, qui lie indissociablement la forme et le propos, le quoi et le comment. »

http://www.treiz.net/

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